Teori Musik Dasar, Part 1 – Pentingnya Teori Musik, Musical Alphabet, Accidental, dan Tangga Nada Mayor

Halo pemirsa dan teman-teman yang sedang membaca,

Semoga Tuhan YME selalu memberkati hidup kalian dengan damai sejahtera-Nya yang melampaui segala akal! Sekali lagi, saya sungguh berterima kasih atas segala dukungan dan pesan-pesan positif yang saya terima selama ini – you guys are the best, and I absolutely cannot thank God enough for you all!

Berdasarkan dari request yang saya terima di IG Stories selama ini, banyak yang meminta saya untuk menjelaskan tentang akord miring dan cara menggunakannya dalam lagu atau aransemen a cappella. Sebelum saya membahas tentang akord miring, saya harus menjelaskan beberapa hal-hal dasar yang penting (dan juga mungkin akan membutuhkan waktu yang cukup lama), sebab tanpa pengertian teori musik dasar kalian bisa kesulitan mencerna konsep-konsep yang lebih kompleks.

Nah, oleh karena itu, saya memutuskan untuk membuat serial baru berjudul “Teori Musik Dasar”, di mana setiap minggunya saya akan menjelaskan beberapa basic dalam teori musik yang harus dimengerti. Saya akan membahasnya secara bertahap, jadi apabila ada pertanyaan, jangan lupa untuk DM saya di IG (https://www.instagram.com/timc9219/) atau tulis pertanyaan kalian di Comments Section di bawah. Jadi, let us get started, and here we go…

Mengapa Teori Musik Itu Penting?

Banyak sekali yang sering menganggap teori musik itu tidak penting dan hanya merupakan peraturan-peraturan yang membuat seni musik itu terbatas. Padahal, menurut gw secara pribadi, justru teori musik itu sangat penting karena:

Teori mampu membantu kita mengkomunikasikan musik yang ingin kita mainkan dengan musisi lain. Tanpa teori, mengkomunikasikan musik dengan teman-teman musisi kita di band, paduan suara atau ensemble akan menjadi sulit. Seperti contoh, seorang dirigen koor bakal kewalahan mengkomunikasikan pada para sopran apa yang harus dinyanyikan apabila doi tidak mengerti teori musik sama sekali.

Teori mampu membuat kita jadi lebih mengapresiasi musik. Dengan mengerti teori musik, at least on a basic level, kita jadi bisa menjelaskan mengapa modulasi yang terjadi di bridge Here, There Everywhere dari The Beatles (dengarkan video di bawah pada menit 1:00) memberi kehangatan tersendiri pada lagu tersebut atau mengapa transisi antara bagian-bagian yang berbeda di Bohemian Rhapsody terdengar sangat seamless atau mulus. Pengertian teori musik akan membuat kita mampu menganalisa detil-detil yang membentuk lagu tersebut dengan lebih dalam, dan hal itu justru mampu membuat kita jadi lebih mengapresiasi karya-karya musik yang ada dan talenta-talenta yang telah membuatnya.

Here, There and Everywhere, salah satu mahakarya dari The Beatles. Dengarkan modulasi yang terjadi dari G mayor ke G minor di bagian bridge pada menit 1:00 sebelum kembali lagi ke G mayor pada menit 1:13. Pengertian tentang teori musik akan mampu menjelaskan mengapa bridge tersebut terdengar lebih melankolis, sehingga memberi efek emosional yang lebih signifikan bagi pendengarnya.

Teori musik bisa menjadi panduan untuk mencari solusi jika seorang musisi sedang mengalami kesulitan saat berkarya. Tanpanya, seorang musisi bisa berpotensi menemukan jalan buntu atau writer’s block akibat dari tidak adanya panduan atau guide. Sebagai sebuah contoh, seorang pemain gitar yang hanya bisa menghafal bentuk akord namun tidak bisa membuat progresi yang menarik dan enak didengar adalah contoh dari jalan buntu tersebut, di mana dia tidak mengerti mengapa melodi yang dia ciptakan terdengar fals saat dimainkan di atas progresi akord yang ada. Situasi-situasi seperti ini bisa dihindari dengan mempelajari teori musik, sebab sang gitaris jadi mampu menjelaskan mengapa akord-akord yang dia mainkan tidak enak untuk mengiringi melodi yang ada sehingga mampu melakukan perubahan yang dibutuhkan dan menciptakan karya yang lebih enak didengar.

And last but not the least……

Teori musik mampu membuat seorang musisi menjadi jauh lebih original dan kreatif, tidak seperti yang dipercaya kebanyakan orang. Ini jelas poin yang sangat penting sebab sebagai kreator konten, songwriter atau musisi, kita tidak mau membunuh kreativitas kita dengan menciptakan karya yang formulaik dan generik terus menerus. Sebagai contoh, di posting-posting sebelumnya, dengan menggunakan contoh Jacob Collier, saya menjelaskan bagaimana pengertian teori musik mampu memberi doi kualitas harmoni yang jauh lebih menarik dan berbeda.

Contoh reharmonisasi jazz dari Mary Had A Little Lamb, sebuah nursery rhyme yang terkenal. Mengerti teori musik justru bisa membantu kita menciptakan karya yang berbeda dan tidak klise.

Jika kita meng-approach teori musik dengan pola pikir yang benar, alias tidak menganggapnya sebagai sesuatu yang akan membelenggu, kita bukannya akan merasa terbatas, namun justru sebaliknya – kita malah akan menemukan suara kita sendiri dalam berkarya, dan itu yang menurut saya sangat penting apabila kita ingin sukses dalam bidang musik. Melodi dan harmoni yang kita ciptakan juga tidak akan terdengar klise, dan kita juga bisa berimprovisasi tanpa merusak esensi dari lagu yang kita ciptakan atau cover. Seru, bukan? Hehehe…

Untuk permulaan dari topik teori musik, saya akan menjelaskan 3 topik penting di posting ini terlebih dahulu, yaitu:

Musical alphabet atau yang bisa disebut juga sebagai alfabet musik,
Accidental – flat (mol, b) dan sharp (kres, #),
Tangga nada mayor (major scale).

Musical Alphabet / Alfabet Musik

Secara simpelnya, alfabet musik, atau musical alphabet, digunakan untuk merepresentasikan not yang dimainkan oleh sebuah instrumen atau dinyanyikan oleh seorang penyanyi. Setiap not jadi memiliki satu alfabet untuk merepresentasikannya. Seperti mempelajari Bahasa Inggris atau Indonesia, musik juga merupakan suatu bahasa – tanpa alfabet musik, kita bakal sulit untuk menentukan dan mengkomunikasikan not apa saja yang sedang atau harus dimainkan atau dinyanyikan oleh musisi tersebut.

Alfabet musik itu hanya terdiri dari 7 – A sampai G, jadi tidak ada H-Z hehehe. Setiap kali kita telah melewati G ke atas, otomatis kita akan masuk ke A yang lebih tinggi, dan saat kita melewati A ke bawah, kita akan masuk ke G yang lebih rendah, dan seterusnya, seperti ini:

A B C D E F G A B C D E F G…….. (Ke atas)

G F E D C B A G F E D C B A…….. (Ke bawah)

Berdasarkan alfabet musik di atas, jarak dari A ke A yang lebih tinggi, B ke B yang lebih tinggi, C ke C yang lebih tinggi, dan seterusnya itu disebut dalam musik sebagai satu oktaf.

Akan tetapi, meski hanya ada 7 alfabet, musik itu tidak hanya terdiri dari 7 not saja, namun 12. Hal tersebut bisa dijelaskan dengan konsep…

Accidental – Flat (mol, b) dan Sharp (cres, #)

Dalam musik, accidental adalah tanda yang digunakan untuk menaikkan atau menurunkan nada dengan jarak setengah. In this case, tanda flat atau mol (b) digunakan untuk menurunkan nada dengan jarak setengah, dan tanda sharp atau cres (#) digunakan untuk menaikkan nada dengan jarak yang sama.

Biasanya, nada yang sudah dinaikkan setengah juga bisa ditulis sebagai alfabet nada yang lalu diikuti dengan kata ‘-is’, seperti berikut:

C# – Cis atau C cres / C sharp
D# – Dis atau D cres / D sharp
F# – Fis atau F cres / F sharp
G# – Gis atau G cres / G sharp
A# – Ais atau A cres / A sharp

Nada yang sudah diturunkan setengah ditulis sebagai alfabet nada yang lalu diikuti dengan kata ‘-es’, seperti berikut:

Bb = Bes atau B mol / B flat
Ab = Aes atau A mol / A flat
Gb = Ges atau G mol / G flat
Eb = Es atau E mol / E flat
Db = Des atau D mol / D flat

Tambahan 5 not dengan accidental tersebut memberi total 7 + 5 = 12 not dalam musik, yang juga direpresentasikan dengan instrumen piano/keyboard sebagai berikut:

piano keys notes — Sumber: http://www.howtosingsmarter.com/piano-keys-notes/

12 not dalam sebuah piano/keyboard yang terdiri dari 7 not natural (A, B, C, D, E, F, G) dan 5 not dengan accidental (A#/Bb, C#/Db, D#/Eb, F#/Gb, dan G#/Ab)

Berdasarkan ilustrasi not-not dalam piano di gambar atas, bisa dilihat bahwa not A# dan Bb berbunyi sama, dan begitu juga C# dan Db, D# dan Eb, F# dan Gb serta G# dan Ab. Nada yang disebut berbeda namun mewakili bunyi yang sama ini merupakan suatu enharmonic, dan mana penggunaannya yang benar itu semuanya tergantung dari kunci yang dimainkan atau dinyanyikan. Semisalnya, jika kita menyanyi atau memainkan musik di D mayor:

D-E-F#-G-A-B-C#-D

Kita tidak bisa menulis F# sebagai Gb dan C# sebagai Db, sebab akibatnya kita jadi nantinya memiliki dua G (Gb dan G) dan dua D (Db dan D), yang salah berdasarkan dari peraturan alfabet musik. Sebaliknya, untuk contoh flat/mol, jika kita menyanyi atau memainkan musik di F mayor:

F-G-A-Bb-C-D-E-F

Kita tidak boleh menulis Bb sebagai A#, sebab akibatnya kita jadi nantinya memiliki dua A (A dan A#), yang jelas-jelas merupakan penulisan not yang salah berdasarkan key signature tersebut.

Tangga Nada Mayor (Major Scale)

Sebelum kita maju ke hal-hal seperti tangga nada minor, harmoni, akord miring dan modes nantinya, kita harus mengerti tangga nada mayor terlebih dahulu. Tangga nada mayor atau major scale itu merupakan fondasi dari hampir semua melodi atau harmoni musik yang kita mainkan atau nyanyikan apapun genre-nya, dan konsep-konsep teori musik yang lebih mendalam juga semuanya diawali dari sini dulu. Karena itu, di semua buku teori musik dasar, kita tidak pernah luput dari yang namanya major scale, hehehe…..

Pada dasarnya, tangga nada mayor itu adalah sebuah tangga nada diatonik atau dengan nada-nada tanpa perubahan kromatik apapun yang terdiri dari 8 not. Interval atau jarak antara not yang berurutan dalam sebuah major scale terdiri dari 1-1-0.5-1-1-1-0.5, atau jika dalam bentuk solfeggio, seperti yang biasa diajarkan di sekolah musik, kursus piano atau vokal:

do-re-mi-fa-so-la-ti-do

Berdasarkan dari solfeggio yang ada, kita bisa melihat bahwa do-re = 1, re-mi = 1, mi-fa = 0.5, fa-so = 1, so-la = 1, la-ti = 1, ti-do = 0.5. Tangga nada mayor juga terdengar lebih ‘terang’ dan gembira, dan hal ini disebabkan oleh adanya nada ‘mi’ atau berjarak/interval satu major third dari do (saya akan menjelaskan tentang interval di posting-posting selanjutnya, jadi tidak usah panik apabila tidak mengerti).

Sumber: https://www.musictheorytutor.org/wp-content/uploads/2012/10/solfege.png

Tangga nada C mayor atau dengan do = C.

Nah, berdasarkan dari konsep accidental, kita bisa membuat skala mayor berdasarkan dari ‘do’ atau kunci/key center tersebut. Sebagai contoh, dalam kunci D mayor, kita bisa tulis alfabet dan lalu tambah accidental yang benar berdasarkan pengertian 1-1-0.5-1-1-1-0.5 tadi:

D-E-F#-G-A-B-C#-D

Jadi, apabila do = D, maka ada 2 sharp/kres agar bisa membentuk tangga nada D mayor tersebut, yaitu F# dan C#. Berdasarkan contoh atas, D-E = 1, E-F# = 1, F#-G = 0.5, G-A = 1, B-C# = 1, C#-D = 0.5.

Sumber: http://musi101.com/files/2014/04/3a3.png

Tangga nada mayor dalam kunci-kunci yang berbeda. Apabila do = F, maka hanya ada 1 flat/mol, yaitu Bb, sedangkan jika do = G, maka hanya ada 1 sharp/kres, yaitu F#, dan lain-lain.

*Agar kita mampu menghafal berapa sharp/kres yang ada dalam sebuah tangga nada mayor berdasarkan ‘do’ yang kita pilih untuk lagu atau melodi yang kita mainkan atau nyanyikan, kita menggunakan sistem circle of fifths, namun sebelum kita mendiskusikan tentang hal tersebut, kita harus mengerti apa saja jenis interval dulu, jadi saya tidak akan membahasnya di posting blog ini. Untuk sekarang, yang penting kalian tahu dulu apa itu tangga nada mayor agar mampu mengerti konsep-konsep yang akan saya bahas di posting-posting selanjutnya 🙂 🙂

Penutup – Rangkuman

Berdasarkan penjelasan-penjelasan tadi, gw berharap kalian sekarang mengerti tentang hal-hal berikut:

Pentingnya teori musik dalam menjadikan kita musisi atau penyanyi yang lebih komplit, serta
Konsep-konsep seperti musical alphabet, accidental, dan tangga nada mayor atau major scale yang merupakan dasar dari semua konsep-konsep teori musik yang akan saya jelaskan di ke depannya.

Di posting selanjutnya, saya akan membahas tentang interval atau jarak antara kedua nada, minor scale atau tangga nada minor, serta pembentukan akord (yang saya juga pernah jelaskan sedikit di topik “Cara Membuat Video A Cappella, Part 1”) dan bagaimana cara membentuk progresi akord yang notabene enak sehingga kita bisa mulai menulis lagu kita sendiri.

Semoga informasi di atas bermanfaat, dan sekali lagi, jika ada pertanyaan, komentar atau kritik dan saran, silakan komentar di bawah atau DM saya di https://www.instagram.com/timc9219/ – selamat membaca, sukses selalu dan jangan pernah berhenti berkreasi!

Salam,

Tim 😀 😀

Tim’s Sharing: Tips-Tips Agar Konten Tetap Kreatif dan Tidak Selalu Monoton

Halo para pemirsa yang sedang membaca,

Semoga diberkati oleh Tuhan YME selalu dan salam dari saya! Di pagi buta ini, saya ingin memulai dengan berterima kasih pada kalian yang sudah mendukung perjalanan saya sebagai kreator konten selama ini – dukungan dan masukan kalian benar-benar sangat memotivasi saya untuk terus menjadi lebih baik dari hari ini. God bless you all always!

——-

Nah, untuk topik posting hari ini, gw akan menjawab request dari Rebecca di IG Stories (IG: https://www.instagram.com/becca_duchanness/ – ayo follow IG-nya, teman-teman) mengenai bagaimana caranya agar konten kita di media sosial tidak monoton alias itu-itu saja. Ini pertanyaan yang sangat bagus sekali, Becky, dan sebelum saya memberi dan menjelaskan tips-tips yang saya harap bisa berguna untuk kalian semua, saya ingin menekankan bahwa perasaan bosan itu manusiawi dan wajar sekali – tidak ada yang harus dikhawatirkan apabila perasaan tersebut muncul saat kalian berkarya. Yang terpenting adalah mengidentifikasi core reason atau alasan utama di balik kebosanan kita, sehingga kita bisa mencari solusi untuk masalah tersebut.

Masalah Utama: Stagnasi Dalam Zona Nyaman

Kalau bagi saya sendiri, kebosanan itu biasanya terjadi karena kita sudah terlalu stagnan di zona nyaman atau comfort zone kita. Manusia itu secara alami memang bukan makhluk yang diciptakan untuk berada di posisi yang sama terus seumur hidupnya, dan rasa bosan itu penting sebab hal tersebut merupakan sebuah peringatan agar kita tidak stuck melakukan hal yang sama terus menerus.

Apalagi bagi kita yang suka berkarya, stagnasi atau kemacetan dalam zona nyaman sangat berbahaya sebab jika dibiarkan terlalu lama, maka kita akan melakukan hal yang sama terus menerus, sehingga konten atau karya-karya kita bisa menjadi gampang ditebak dan membosankan, dan lama kelamaan kita juga bisa beresiko kehilangan passion dan gairah untuk berkarya. Sebagai contoh, jika kita hanya menyanyikan lagu-lagu dengan tema galau terus menerus, maka para pendengar juga lama-lama akan bosan sebab tahu bahwa konten kita tidak bervariasi dan pasti hanya akan begitu-begitu saja. Lama kelamaan support terhadap karya-karya kita juga bisa menurun, dan hal tersebut berdampak negatif terhadap semangat kita sebagai para kreator konten. Lantas, bagaimana caranya agar kita tidak stuck dalam zona nyaman kita?

Solusi 1: Perbanyak Referensi Musik Kita

Referensi musik itu sangat penting karena bisa menjadi potensi inspirasi bagi kita untuk terus memperbaharui kualitas karya. Semakin banyak referensi bermusik kita, semakin luas kemungkinan kita untuk terus menciptakan karya yang kreatif dan berbeda. Sir Paul McCartney dari The Beatles terinspirasi untuk membuat Sgt. Peppers’ Lonely Hearts Club Band (1967) setelah beliau mendengarkan mahakarya dari grup The Beach Boys yang berjudul Pet Sounds (1966), dan sampai sekarang Sgt. Peppers masih sering dicap oleh para kritikus musik sebagai salah satu album rock terbaik sepanjang masa. Queen, sebelum wafatnya sang legenda Freddie Mercury, juga merupakan grup yang selalu relevan bagi para pendengarnya karena mereka tidak stagnan dengan satu style musik dan terus mengeksplor genre-genre lain di luar rock seperti klasik/opera (Bohemian Rhapsody, Love of My Life), vaudeville (Seaside Rendezvous), funk (Another One Bites The Dust), flamenco (Innuendo, terutama pada bagian solo gitar), rockabilly (Crazy Little Thing Called Love), dan gospel (Somebody To Love) – hal tersebut tidak akan mungkin terjadi apabila referensi musik almarhum Freddie Mercury dan kawan-kawan terbatas dan sempit. Apalagi pada jaman sekarang di mana banyak sekali referensi musik yang bisa ditemukan di dunia maya, sudah tidak ada alasan lagi bagi kita untuk tidak melakukan riset dan memperbaharui playlist kita terus menerus.

Bohemian Rhapsody, salah satu lagu terkeren sepanjang masa yang merupakan perpaduan antara ballad, hard rock dan opera. Jika para personil Queen tidak memiliki referensi musik yang luas, tidak mungkin Freddie Mercury (alm.) dan kawan-kawan bisa memproduksi mahakarya berkualitas tinggi seperti lagu ini.

Paint It Black, salah satu lagu rock ‘n’ roll terbaik sepanjang masa yang menggabungkan elemen-elemen musik India lewat permainan sitar yang kreatif dan inovatif dari Brian Jones.

Dengarkan apa saja yang cocok di kuping kalian, mau itu jenis musik yang sama sekali tidak lazim seperti experimental/avant-garde atau extreme metal sekalipun – siapa tahu kalian bisa menemukan inspirasi yang berbeda dari pengalaman mendengar tersebut, dan dengan demikian kalian bisa perlahan-lahan keluar dari stagnasi yang membelenggu kalian.

Solusi 2: Berkolaborasilah Dengan Para Musisi Lain

Seperti yang saya katakan di posting sebelumnya, jaman sekarang itu bukan era kompetisi namun kolaborasi, guys! Berkolaborasi dengan para musisi lain juga akan membuka pintu bagi banyak sekali peluang musikal yang tidak terbatas, sehingga repertoire lagu-lagu kita juga akan menjadi semakin variatif dan tidak stagnan. Oh ya, kolaborasi juga membuat kita menjadi belajar banyak mau dari sisi teknis ataupun musikal dari orang lain, sehingga kita bisa meningkatkan kualitas konten individu kita seterusnya. Belum-belum kita juga membuat banyak teman-teman baru dengan passion yang sama, dan otomatis kita akan menjadi lebih termotivasi untuk berkarya. Seru, kan? Hehehe…

Contoh kolaborasi yang efektif antara vokalis mainstream (Ed Sheeran) dengan penyanyi pop klasik kondang (Andrea Bocelli). Meski mereka merupakan penyanyi dengan style musik yang berbeda, kolaborasi ini memberi nuansa yang unik terhadap lagu Perfect itu sendiri.

Solusi 3: Cobalah Mengeksplor Style Yang Berbeda Dari Diri Anda Selama Ini

Sebagai contoh, seorang vokalis akustik mungkin bisa coba merekam cover dengan style aransemen yang lebih a cappella sekali-sekali, dan seorang penyanyi yang lebih sering menyanyi hard rock bisa juga mengeksplor sisi sensitifnya dengan lagu yang lebih soft dan mellow. Dengan mencoba style konten yang berbeda dari biasanya, kita jadi mendapat tantangan tersendiri agar keluar dari zona nyaman kita, sehingga kita tidak terus menerus memproduksi karya yang monoton dan kurang variatif.

Solusi 4: Kalau Ada Waktu, Belajar Teori Musik

Sering kali teori musik itu dianggap sebagai hal teknis yang membosankan dan membelenggu, padahal menurut saya pemikiran seperti itu justru malah membuat kemungkinan berkarya seseorang menjadi one-dimensional dan terbatas. Memang betul sih bahwa mengerti teori musik tidak memastikan kualitas karya anda baik dan banyak sekali musisi atau penyanyi keren yang tidak pernah belajar teori sama sekali, namun itu tidak bisa dijadikan alasan buat kita agar tidak memperbaharui dan meningkatkan skill atau kemampuan kita masing-masing.

Mempelajari teori musik dengan baik dan benar itu tidak akan membelenggu namun justru akan meningkatkan kreativitas anda sebagai musisi atau penyanyi. Seperti contoh, dengan mempelajari akord-akord yang lebih njelimet, not-not apa saja yang membentuk akord-akord tersebut, dan bagaimana cara menggunakannya dalam konteks aransemen lagu atau harmoni di balik sebuah frasa/melodi, kita bisa mendapatkan kualitas harmoni yang lebih menarik dan berbeda dibandingkan apabila kita cuma menggunakan progresi yang generik, formulaik atau biasa-biasa saja – hal tersebut bakal meningkatkan kualitas karya kita sehingga kita tidak menjadi monoton dan terbatas sebagai seorang kreator konten.

*Saya akan menjelaskan tentang teori musik dasar di posting-posting selanjutnya, jadi stay tuned ya!

Karna Su Sayang versi jazz dari salah satu kreator favorit saya di Indonesia, Tobias Titus. Pengertian teori musik justru akan meningkatkan kreativitas dan kemampuan anda untuk berinovasi sebagai seorang kreator atau musisi.

Reharmonisasi Twinkle Twinkle Little Star ala Jacob Collier, salah satu musisi muda yang paling direspek di dunia. Meskipun Twinkle Twinkle Little Star itu memiliki melodi yang simpel, namun pengertian teori musik Jacob yang sangat advanced justru membuat doi mampu menciptakan nuansa yang menarik, kreatif dan berbeda dari nursery rhyme tersebut.

Solusi 5: Coba Ubah Lagu Yang Kalian Nyanyikan Secara Total

Contohnya, kalian bisa mengubah lagu hard rock menjadi versi bossa nova ala Antonio Carlos Jobim, lagu pop balada menjadi versi slow rock/rock ballad ala Scorpions atau Whitesnake, atau bahkan mengubah lagu mayor menjadi minor dan sebaliknya. Hal tersebut justru akan memberi poin plus bagi anda sebagai kreator konten, karena kalian telah berhasil secara kreatif membuat lagu tersebut berbeda dan tidak terdengar seperti versi aslinya. Tapi ingat, kalau bisa jangan terlalu banyak mengubah atau merombak melodi dari lagu tersebut (kecuali jika kalian emang benar-benar mau experimental secara total), sebab nantinya malah justru dikira tidak merespek karya original-nya, hehehe….

Contoh dari sebuah cover song yang efektif namun benar-benar berbeda, tidak seperti versi asli dari Beyoncé yang lebih ‘pop diva’.

Nah, gw harap dengan solusi-solusi di atas, jika ada dari kalian yang sekarang merasa stuck sebagai kreator konten, kalian bisa segera keluar dari masalah stagnasi di zona nyaman tersebut. Semoga tulisan di atas bermanfaat, dan jika ada pertanyaan, komentar, kritik atau saran, silakan komentar di bawah atau DM saya langsung di https://www.instagram.com/timc9219/ – pasti akan saya balas atau jawab. Blessings always and stay creative, ok? 🙂 🙂 🙂

Salam,

Tim 😀 😀 😀

Cara Membuat Video A Cappella, Part 5 (Final) – Mengunggah Video Secara Efektif, dan Pesan Penutup

Halo para pemirsa yang sedang membaca,

Salam dari saya – Tuhan YME memberkati selalu! Semoga setelah mencapai bagian ini, kalian sudah mengetahui apa saja hal-hal dan dasar-dasar yang harus dimengerti sebelum dan saat merekam video a cappella kalian masing-masing.

Khusus untuk bagian terakhir dari serial ini, gw akan menjelaskan bagaimana agar kalian mampu mengunggah atau meng-upload video secara efektif agar mampu menarik penonton atau viewers sebanyak mungkin, serta merangkum proses pembuatan video a cappella secara keseluruhan sebagai penutup. Jadi sit back, relax, and hope you all are having a good read…

Cara-Cara Untuk Mengunggah Video A Cappella Secara Efektif

Jika kalian ingin mengunggah atau meng-upload video a cappella untuk publik, jelas saja kita ingin agar video kita makin banyak ditonton atau diekspos untuk orang lain. Oleh karena itu, sebagai posting bonus, berikut adalah cara-cara yang bisa diterapkan dalam mengunggah video-video karya a cappella agar berpotensi menghasilkan jumlah penonton atau viewers yang kalian inginkan:

Gunakan platform media sosial kalian seperti Instagram, YouTube atau Facebook seoptimal mungkin dalam meng-share video-video kalian. Ini sudah jelas sekali karena di situlah kita bisa membagi talenta dan karya-karya kita pada mereka yang tertarik ingin menonton video-video kita. Beberapa hal yang harus diingat saat kita meng-upload karya-karya kita ke media sosial juga adalah:

Sertakan hashtag atau tanda pagar (tagar) yang populer dan relevan berdasarkan tema video a cappella yang kalian buat. Contohnya, apabila kalian meng-cover lagu Bohemian Rhapsody dari Queen, sertakan tagar-tagar yang relevan seperti #queen, #freddiemercury, #bohemianrhapsody, #rock, #opera, dan lain-lain.
Jangan lupa juga menyertakan tagar dari akun-akun komunitas musik yang suka membagi video-video musik atau cover di media sosial, seperti @indomusikgram, @vokalplus, @topvocalist, dan semacamnya. Ini agar video-video kalian mampu di-notice, sehingga kalau menurut mereka bagus dan menarik akan di-repost – hal ini bisa meningkatkan viewership dan audiens kalian sebagai kreator konten.
Tambahkan juga deskripsi konten yang menarik dan engaging, seperti bagaimana lagu tersebut berarti bagi kalian dan/atau apa sesuatu yang mungkin para pendengar tahu dari lagu tersebut.

Sebagai contoh, gw menggunakan salah satu video cover a cappella yang belakangan baru saya unggah di Instagram, yaitu cover dari You’ve Got A Friend In Me, yang juga merupakan OST dari serial film animasi terkenal, Toy Story:

Contoh dari deskripsi serta tagar-tagar yang digunakan untuk video a cappella.

Unggah video a cappella kalian di jam yang tepat. Waktu kapan video di-upload itu sangat berpengaruh terhadap viewership di media sosial. Semua orang itu jam di mana jumlah viewers-nya paling tinggi tidak sama, jadi lakukan eksperimen dengan mengunggah video-video kalian di jam-jam yang berbeda – apabila jumlah viewers, reach dan impressions kalian selalu paling tinggi di jam tertentu, rencanakan untuk selalu mengunggah video-video yang lain pada waktu tersebut (Contohnya, jumlah viewers, reach dan impressions saya selalu paling tinggi jam 6.30 pagi, jadi saya selalu akan upload video saya di jam tersebut).

Sering-sering berinteraksilah dengan follower, teman-teman atau audiens anda. Jika kalian tidak mengetahui apa yang audiens kalian inginkan atau tidak relevan terhadap mereka sama sekali, otomatis konten yang kalian unggah tidak akan begitu menarik bagi mereka apapun kualitasnya. Lewat platform-platform seperti Instagram stories, Instagram live, DM/chat atau bahkan comments section di video-video anda, kalian bisa berinteraksi dengan teman-teman atau para followers di dunia maya dengan mudah, dan hal ini penting sekali agar kalian bisa:

Mengetahui apa saja yang diinginkan oleh para teman-teman atau followers yang mungkin bisa kalian coba (contoh paling populer – request lagu, sesi live Q&A atau tanya jawab langsung, dll).
Memperbaharui konten terus berdasarkan kritik dan saran pemirsa yang menonton video-video kalian.

Interaksi-interaksi dengan para followers seperti ini akan membuat platform media sosial kalian menjadi lebih hidup, dan kalian juga akan menjadi tetap up-to-date bagi mereka, jadi apabila kalian meng-upload konten kalian di media sosial lagi, otomatis para followers kalian juga akan langsung tertarik untuk melihatnya.

Contoh penggunakan fitur “Questions Sticker” di IG Stories untuk berinteraksi dengan teman-teman dan *followers* di media sosial – di sini saya menanyakan apabila ada lagu yang bisa di-request untuk video-video selanjutnya. Interaksi itu penting sekali agar mampu menciptakan *platform* yang *lively* atau hidup.

Berkolaborasilah dengan para kreator konten dan musisi yang lain. Jaman sekarang sudah bukan era kompetisi namun kolaborasi, bro and sis! Dengan berkolaborasi bersama musisi-musisi dan para kreator konten di komunitas, kalian akan saling belajar dari satu sama lain dari sisi musikal maupun non-musikal. Menjadikan 2 atau 3 visi dan misi menjadi satu dan seimbang itu memang merupakan sebuah tantangan, namun jika berhasil akan menjadikan hasil karya yang sangat baik, yang otomatis juga akan memberi audience interest atau ketertarikan audiens yang tinggi.

Kolaborasi juga akan membuat kalian mengenal kelebihan dan kekurangan kalian secara masing-masing, sehingga kalian bisa memperbaharui konten di kedepannya, dan kualitas konten kalian juga otomatis akan meningkat sehingga membuat upload kalian menjadi semakin efektif. Seru, bukan?

Contoh dari kolaborasi yang efektif, yaitu antara Peter Hollens dan Roomie, dua kreator konten terkenal di YouTube. Menggabungkan dua visi menjadi satu hasil karya yang baik dan berkualitas bisa membuat upload kalian menjadi jauh lebih efektif dan disenangi oleh audiens kalian masing-masing.

Pesan Penutup: Rangkuman dari Proses Pembuatan Video A Cappella

Dengan demikian, penjelasan tersebut adalah hal terakhir yang ingin saya diskusi dari serial “Cara Membuat Video A Cappella” ini. Jadi, sekedar untuk recap dari awal, langkah-langkah dasar yang harus diikuti dari proses pembuatan video a cappella itu adalah berikut:

Ketahuilah akord-akord atau progresi akord dari lagu yang ingin kalian nyanyikan atau cover. Jika kalian masih belum mengenal apa itu akord dan jenis-jenis dasarnya, silakan kunjungi Part 1 untuk diskusi secara detil mengenai hal tersebut.
Buatlah pecahan atau pembagian harmoni suara dari lagu tersebut berdasarkan akord-akord lagu yang ada (baca Part 2 untuk caranya), dan rekamlah setiap bagian suara menggunakan gear rekaman audio yang kalian miliki sebelum di-Export menjadi satu file .mp3 yang kalian bisa pakai untuk video kalian nanti (Part 3).
Rekamlah video-video bagian-bagian suara kalian berdasarkan jumlah suara yang telah kalian rekam, dan gunakan video editing software yang kalian miliki untuk mengedit dan mensinkronisasi semua video yang ada dengan file .mp3 yang sudah kalian produksi (untuk lebih lanjut, baca Part 4).
Setelah rendering, upload video kalian di YouTube, Instagram, Facebook, dan platform-platform media sosial kalian agar teman-teman dan followers/subscribers kalian bisa menikmati video a cappella yang telah diunggah.

Semoga informasi-informasi dalam 5 posting terakhir ini sangat bermanfaat, dan apabila ada pertanyaan, kritik, atau saran, silakan komentar di bawah atau kirim DM di Instagram saya yaitu https://www.instagram.com/timc9219/ 🙂 🙂

Salam and stay creative,

Tim 😀 😀

Cara Membuat Video A Cappella, Part 2 – Pembagian Suara

Halo pemirsa yang sedang membaca,

Semoga diberkati selalu dan salam dari saya! Seperti yang gw janjikan di posting saya sebelumnya, karena banyak sekali request dan pertanyaan di IG sticker saya mengenai cara membuat video a cappella, saya memutuskan untuk membuat serial 5 Part mengenai topik ini, dan sekarang saya akan lanjutkan diskusi saya dari Part 1 di posting terbaru saya yang satu ini. Jadi, keep yourselves updated ya, and here we go…

Jenis dan Pembagian Suara

Sebelum kita mendiskusi cara mengaransemen akord menjadi pembagian suara, sangat penting bagi kita untuk mengenal jenis-jenis pecahan suara tersebut. Dalam sebuah grup vokal, koor atau ensemble suara, kita mungkin sering mendengar kata-kata seperti sopran, alto, tenor, dan bass, yang juga merupakan pembagian suara dari urutan yang paling tinggi sampai yang paling rendah. Pengertian akan jenis suara dalam sebuah aransemen vokal/a cappella itu penting sekali agar kita bisa mengetahui dan mengukur range suara masing-masing supaya kita tidak memberi part yang terlalu tinggi atau terlalu rendah untuk rekan-rekan kita atau bahkan diri kita sendiri.

*Setiap nada itu referensi pengukurannya berdasarkan C4 atau middle C di piano, di mana C3 – C satu oktaf di bawah middle C, C2 – C dua oktaf di bawah middle C, dan seterusnya.

Sumber: https://music.stackexchange.com/questions/9987/on-a-piano-scale-what-is-considered-middle-c

Jenis pembagian suara dalam sebuah paduan suara atau grup vokal itu terdiri dari berikut:

Bass – Jenis suara terendah pria. Dalam sebuah paduan suara atau grup vokal, seorang bass juga merupakan fondasi dalam sebuah akord atau harmoni. Biasanya wilayah suara asli yang satu ini melingkupi nada-nada D2-D4, meski ada juga beberapa penyanyi bass yang bisa menyanyi lebih tinggi atau lebih rendah.
Bariton – Jenis suara pria tengah. Seorang bariton biasanya bisa melingkupi nada-nada suara asli F2-G4, dan dalam paduan suara dia bisa menyanyi part bass atau tenor tergantung zona nyamannya secara individu.
Tenor – Jenis suara pria yang tinggi. Seorang tenor itu bisa menyanyikan nada-nada suara asli C3-C5, meskipun dalam konteks paduan suara atau grup vokal biasanya nada-nada tinggi yang dipakai tidak melebihi G4-A4.
Alto – Jenis suara wanita yang rendah. Seorang alto itu biasanya bisa menyanyikan nada-nada suara asli C#3-D#5, meskipun dalam konteks paduan suara atau grup vokal biasanya nada-nada tinggi yang dipakai tidak melebihi C5-D5.
Mezzo-sopran – Jenis suara wanita tengah. Seorang mezzo-sopran itu biasanya bisa menyanyikan nada-nada suara asli D3 – F5, dan dalam sebuah paduan suara dia bisa menyanyikan part alto atau sopran tergantung zona nyamannya secara individu.
Sopran – Jenis suara wanita yang tinggi. Dalam sebuah paduan suara atau grup vokal, seorang sopran juga menyanyikan bagian-bagian paling tinggi dalam sebuah harmoni atau akord. Wilayah suara yang satu ini secara range suara asli melingkupi nada-nada G3 – A5 dalam sebuah paduan suara, meskipun ada juga yang dengan head voice bisa mencapai C6 atau lebih.

Cara Mengaransemen Sebuah Akord Dalam Lagu Menjadi Part Suara

Seperti yang kita diskusikan di Part 1 serial ini, hal awal yang terpenting dalam membuat suatu aransemen a cappella adalah mengetahui progresi akord lagu tersebut. Menggunakan contoh di serial sebelumnya, jika semisalnya ada progresi akord C-Am-Dm-G, kita jadi bisa mengetahui not-not apa saja yang membentuk akord-akord tersebut:

C = C-E-G (C ke E itu jaraknya 2, E ke G itu 1.5)
Am = A-C-E (A ke C itu jaraknya 1.5, C ke E itu 2)
Dm = D-F-A (D ke F itu jaraknya 1.5, F ke A itu 2)
G = G-B-D (G ke B itu jaraknya 2, B ke D itu 1.5)

Langkah kedua yang lalu kita lakukan adalah mengetahui jenis vokal diri sendiri atau setiap penyanyi di grup vokal atau koor. Hal ini penting sekali sebab kita tidak mau diri kita sendiri atau orang lain kesulitan bernyanyi karena bagian suara yang terlalu tinggi atau rendah. Semisalnya dalam sebuah paduan suara kuartet pria, ada empat penyanyi yaitu A, B, C, dan D, di mana kita mengetahui range dan karakter suara mereka masing-masing terlebih dahulu:

A bersuara rendah (bass alami) dan bisa menyanyi terletak di antara Eb2-F4. Namun, zona nyaman A lebih berada di kisaran Eb2-C4. Berdasarkan informasi tersebut, kita tidak akan menulis part yang lebih tinggi dari C4 atau lebih rendah dari Eb2.
B memiliki suara tengah dan bisa menyanyikan nada-nada E2-A4. Namun, zona nyaman B lebih di F2-E4. Berdasarkan informasi yang ada, kita tidak akan menulis part yang lebih tinggi dari E4 atau lebih rendah dari F2.
C juga memiliki suara tengah yang lebih tinggi dari B dan bisa menyanyikan nada-nada F2-Bb4. Akan tetapi, zona nyaman C lebih di kisaran G2-Ab4. Oleh karena itu, kita tidak akan menulis part yang lebih tinggi dari Ab4 atau lebih rendah dari G2.
D memiliki karakter suara yang tinggi (high tenor) dan bisa menyanyikan nada-nada A2-D5 dengan suara asli. Namun, di bawah B2, suara D mulai goyang dan sulit stabil karena terlalu rendah, dan di atas B4 suara D mulai terdengar memaksa. Head voice D juga kurang terlatih dan takutnya nanti tidak nge-blend dengan suara-suara yang lain. Oleh karena itu, kita tidak akan menulis part yang lebih rendah dari B2 dan lebih tinggi dari B4.

Nah, kita lalu bisa mengaransemen progresi akord yang ada berdasarkan suara-suara yang tersedia, dan setiap suara mungkin bisa menyanyikan nada dengan suku kata seperti ‘uuuuu’, ‘duuuu’ atau ‘aaaa’. Kalau khusus untuk contoh ini, saya secara pribadi akan mengaransemennya seperti berikut:

Penyanyi A = C3-A2-D3-G2 (Bass 2) – nada terendah A tidak lebih rendah dari Eb2 dan nada tertinggi A tidak lebih tinggi dari C4
Penyanyi B = G3-A3-A3-G3 (Bass 1/Bariton) – nada terendah B tidak lebih rendah dari F2 dan nada tertinggi B tidak lebih tinggi dari E4
Penyanyi C = C4-C4-D4-B3 (Tenor 2/Tenor Rendah) – nada terendah C tidak lebih rendah dari G2 dan nada tertinggi C tidak lebih tinggi dari Ab4
Penyanyi D = E4-E4-F4-D4 (Tenor 1/Tenor Tinggi) – nada terendah D tidak lebih rendah dari B2 dan nada tertinggi D tidak lebih tinggi dari B4

Semua orang pasti akan mengaransemennya dengan cara yang agak berbeda dari satu sama lain, tapi ada 2 hal yang harus diingat saat membagi suara dari sebuah progresi akord:

Jangan memberi part yang terlalu tinggi atau rendah bagi setiap penyanyi, seperti yang sudah didiskusikan, dan
Kecuali untuk penyanyi bass 2 (karena bass yang terendah itu akar dari akord) atau jika memang mendesak, usahakan agar setiap nada yang dinyanyikan dalam suatu part suara tidak beda jauh jaraknya dari satu sama lain. Jika jarak antara nada dalam satu part suara terlalu jauh, nanti pergerakan suara (dan dengan demikian, harmoninya) tidak akan mulus atau smooth. Seperti contoh di atas, not-not yang dinyanyikan oleh penyanyi D adalah E4, F4 dan D4, yang tidak jauh dari satu sama lain, berikut juga dengan penyanyi C yang menyanyikan not-not C4, D4 dan B3, dan seterusnya.

Masih banyak lagi yang bisa didiskusikan mengenai hal ini, dan teorinya sejubel, (seperti counterpoint, contrary motion dll), namun ini adalah hal paling dasar dari membuat video atau aransemen a cappella yang kalian bisa terapkan di rumah sebelum progres ke topik-topik selanjutnya. Berdasarkan aransemen suara yang ada, nanti saya akan lanjut ke cara merekam setiap suara di Part 3 dari serial ini. Selamat membaca dan jika ada pertanyaan, kritik dan saran silakan DM di IG gue agar saya bisa terus memperbaharui posting saya di kedepannya! 🙂 🙂

Salam,

Tim 😀 😀 😀